Hay muchas cosas que inspiran a los artistas y compositores a escribir una canción, la inspiración puede venir de muchas maneras, de distintos lugares, personas u objetos, pero sin duda, un objeto un tanto extraño para inspirar una canción, es un desodorante, y más si este sirve de inspiración para que surja una de las mejores canciones de todos los tiempos, una canción de la talla de Smeels Like Teen Spirit, de Nirvana.
Pues sí, el origen de esta canción se remonta a un desodorante, de hecho uno calla marca tenía por nombre "Teen Spirit", un desodorante para mujeres, que Kurt desconocía. Fue kathleen Hanna, de las Bikini Kill, banda con la Kurt mantenía amistad, la que hizo un grafitti en la pared del cuarto de Kurt, el cual decía: "Kurt smells like Teen Spirit". Al ver esto Kurt lo interpretó a su manera, creyendo haber encontrado la frase revolucionaria que le hacía falta para darle forma a su música, y decide basarse en esta para hacer su canción.
Todos hemos escuchado alguna vez el punteo que toca Slash en la guitarra al iniciar la canción Sweet CHild O' Mine, la cual aparece en el álbum Apetite for Destruction, pues bien, este punteo que suena tiene un origen muy peculiar, sin embargo bastante simple también, además de haber marcado la historia del Rock, es por eso que he decidido escribir sobre ella en este sitio.
Esta canción, surge cuando Slash se encontraba calentando los dedos y afinando su guitarra, haciendo uso de los arpegios de tres notas para hallar sus notas similares, de hecho, todo el inicio de la canción es simplemente un arpegio de tres notas, un ejercicio de calentamiento para guitarra bastante básico, además de su utilidad en la afinación, y allí radica justamente la genialidad de esta parte.
Axl Rose, quien se encontraba por allí, al oír esto le gustó bastante el sonido de la melodía, y decidió hacer una canción con ella. En base a esto se compuso el resto de la canción que terminaría siendo una balada, la cual Axl dedicó a su novia Erin Everly, quien luego se convertiría en su esposa.
Esta canción se ubica en el puesto 196 entre las 500 mejores canciones de todos los tiempos, según la revista Rolling Stones. Mientras que en la revista Guitara Total, el riff introductorio fue votado como el número uno de la lista.
La canción más conocida de la banda de rock, Deep Purple, es Smoke On The Water, recuerdo cuando estaba aprendiendo a tocar guitarra, y mi profesor nos enseñó a tocar esta canción, siendo un ejemplo clásico y muy práctico para enseñar a alguien a tocar quintas en una guitarra. Era un riff muy bueno y me esforcé en aprenderlo, aunque en ese momento me pareció muy complicado.
Esta canción es bastante peculiar, porque está escrita en base a un suceso que pudo haber destruido su carrera, un hecho real. Ya que la banda se encontraba en Suiza, por el año 1971, para grabar un álbum en vivo en el casino de la ciudad de Montreux. Cuando ocurrió un incendio en el local, como dice la canción "algún estúpido" prendió una bengala en el casino, generando el incendio de este.
Esta ciudad se ubica en una de las orillas del lago Lemán, por lo que al incendiarse el casino, se podía observar el humo flotando sobre el agua del lago, y esto es lo que dio origen a la canción en sí, que es una narración de lo ocurrido aquella noche.
Ya he mencionado del efecto de las música en el cine, pero esta vez bajaremos un poco la categoría, para hablar de un anime que ha marcado la infancia de toda una generación. Toda una generación es fanática de Dragon Ball, el personaje de Gokú ha sido explotado a más no poder, y aún lo seguirá siendo con la nueva temporada que se viene, para dar continuidad a la película, el éxito es Dragon Ball es tal, que incluso en la música ha repercutido enormemente.
De esta manera, voy a presentar una de las canciones de esta serie, y unas cuantas de sus múltiples adaptaciones. A continuación la canción original.
En base a esta, surgió la versión en español latino, conocida por nosotros, ya que esta es la que pasan en nuestras televisiones.
Luego de estas, ya vienen las múltiples adaptaciones, entre ellas, una de las más conocidas, ya que la tocan en sus conciertos, es la versión de la banda argentina: Jauría.
Y esta es una versión también bastante conocida en las redes sociales, interpretada por Melisa García, desde México.
Como bonus les dejo una adaptación del guitarrista nacional, Charlie Parra, de otra de las canciones de Dragon Ball Z
Una de las bandas más emblemáticas de la escena subterránea limeña (si no es la más), es Gx3, formada en el año 1986 por Gonzalo Farfán, Gabriel Bellido y Guillermo Figeroa (de ahí el nombre de la banda), sin embargo, dentro de sus muchos logros, no todo es bonito, ya que ellos querían hacer una música diferente a la que se venía tocando en la escena subterránea limeña durante esa época.
Mientras que las bandas tenían nombres de enfermedades, problemas sociales o temas afines. Ellos optaron por salir de lo que era convencional, no solo en el nombre, sino en el sonido también, ya que empezaron a hacer una música punk más ordenada, con melodía, etc. (cosa inexistente en el entorno hasta el momento).
Estos cambios que introdujeron en el estilo, además del hecho de que venían de familias que pertenecían a una clase media - acomodada, les trajo enemigos, ya que empezaron a ser llamados pitupunks por algunas personas radicales de la movida, llegando incluso a ser agredidos físicamente en sus presentaciones.
Estos hechos los llevaron a salir de ese entorno, e iniciar su propia movida, organizando tocadas en la "jato hardcore", en Barranco. Sin embargo, un hecho resaltante dentro de todo esto, es la canción que compusieron en respuesta a los que los agredían, más directamente a las personas de la banda Q.E.P.D. Carreño. Tan solo faltaba que colocaran sus nombres en la canción, y esta canción se llama Presión.
Esta vez vamos a traer el tema musical a Sudamérica, hablando de unas de las más emblemáticas bandas de metal argentino, me refiero, por supuesto, a Rata Blanca, además de enfocarme en una de sus canciones más memorables, La Leyenda del Hada y el Mago.
El motivo por el que incluyo esta canción en esta blog de canciones peculiares, es porque el solo de esta canción, lo ubico como el solo más difícil de tocar de la historia, hasta el punto que ni el mismo Walter Giardino, compositor de la canción y guitarrista de Rata Blanca, puede volver a tocarlo de la misma manera como lo tocó en el estudio.
Muchas personas han tratado de reproducir este solo, pero nuevamente, nadie ha podido hacerlo de manera exacta, sino que cada uno lo toca a su manera, dada la restricción del solo. Por ejemplo, entre los guitarristas peruanos más conocidos, está Jesús Parra, famoso por sus solos y arreglos en la banda Contracorriente.
A continuación, una versión más aproximada al solo original, interpretado por Gaspar Muntwyler, guitarrista bastante conocido en You Tube, por la cantidad de covers que ha hecho (muy buenos todos), sin embargo, aún para él, es necesaria la edición de su vídeo para que encaje la canción.
En esta ocasión hablaré sobre una canción que tiene muchas versiones, resaltando entre todas ellas, solo dos, la versión original, y la adaptación de esta al género Metal, lo cual hace de esta gran canción, una pieza importante dentro de la historia de la música. Me refiero a la canción Sweet Dreams (Are Made of This), o simplemente Sweet Dreams, la cual fue lanzada en el año 1983 en el disco homónimo, por la dúo británico Eurythmics. Esta canción es la más conocida que tiene el dúo, generando que la toquen posteriormente con varios artistas además de estar entre las mejores 500 canciones de todos los tiempos según la revista Rolling Stone.
Pero lo más peculiar de esta canción, es la versión metal que hizo nada más y nada menos que Marilyn Manson, cantante de este género conocido por su excentricidad. Esta versión es sin duda uno de los mejores logros del artista, ya que transforma la canción completamente, al punto de ser casi irreconocible. La canción es muy buena y contiene los matices oscuros que suelen tener las canciones de Marilyn Manson, además de su propio vídeoclip en el que se muestra imágenes bizarras, escenarios destartalados y grotescos, que son característicos en este personaje.
Depende de ustedes cuál de las versiones les guste más, aunque al ser géneros diferentes, no tienen punto de comparación, haciendo que ambas sean geniales en su propio estilo.
La canción de la que voy a escribir en esta oportunidad, es Mi Solead y Yo, de Alejandro Sanz, pero no me refiero a la versión de estudio que todos han escuchado, sino hago referencia a una versión de la canción que tocó durante el año 2004, mientras en una gira presentaba su disco No Es Lo Mismo.
En esta gira contó con grande figuras musicales, entre las cuales voy a mencionar a Ludovico Vagnone y David Palau, quiénes estuvieron a cargo de las guitarras y gran parte del show.
Aquí la versión de estudio, en la cual Ludovico se encargó de los arreglos en la guitarra.
Durante esta gira, se nota cambios en las canciones en general, añadiendo un sonido más resaltante en los detalles, pero la canción en la que más se notan estos cambios es sin duda Mi Soledad y Yo, cuyo solo añadido por Palau, es sencillamente fenomenal, consiguiendo una armonía entre dos vertientes musicales prácticamente opuestas.
Palau consigue complementar la canción romántica con un solo al puro estilo del Metal, y hacer que esta calce perfectamente, haciendo que esta arriesgada apuesta que se hizo al unir ambos estilos, funcione, sumando otra energía a la canción sin que deje de ser romántica.
Cabe resaltar el hecho de que esta canción, siempre era la última en ser tocada en esta gira, con la finalidad de generar memorabilidad a través de un final espectacular y cargado de emoción.
Como un extra, aquí les muestro un vídeo de David Palau, explicando lo que ocurrió detrás de la creación de ese solo de guitarra, cómo lo hizo y su apreciación de este.
En una pasada ocasión hablaba acerca de cómo una canción de fondo puede resaltar una película, aumentando el sentimiento y la empatía mientras la vemos. Esta vez mencionaré las canciones en las películas, pero desde otro enfoque. ¿Qué pasa cuando una canción es interpretada por un personaje dentro de la película? Esto sucede en la película Volver Al Futuro, muchos recuerdan el memorable momento en el que Marty McFly sube al escenario y empieza a tocar blues, sorprende a todos, y dan a entender que así es como surge este género. La canción es muy buena, y la actuación de Michael J. Fox sobre el escenario ayuda a resaltarla, añadiendo un estridente solo de heavy metal al final, usando técnicas de tapping, haciendo referencia a Van Hallen.
Difícilmente alguien no habrá visto esta película, pero muy pocas personas saben el nombre de esta canción, aunque a todos les gusta. La canción se llama Jhonny Be Goode, siendo propiedad del músico de blues, Chuck Berry.
En esta oportunidad, se nos muestra la música dentro de la película de una manera diferente, ya que no es música de fondo de la canción, ni tampoco es esta una película de música o algún artista, por lo que este recurso ha sido utilizado estupendamente dentro del contexto, involucra una situación, y creo que no hubieran podido elegir mejor canción para que sea interpretada en el largometraje.
Dentro de las películas, siempre encontramos soundtracks, los cuales están relacionados de manera buena o mala, resaltando la película o hundiéndola. Digo esto porque esta vez voy a hablar acerca de una canción que suena al final de la película El Efecto Mariposa, y esta es Stop Crying Your Heart Out de Oasis. El motivo por el que considero que esta canción merece ser mencionada aquí, es debido a que según mi opinión personal, es la mejor canción que pudieron elegir para ese momento. Cuando uno ve la película, ocurre que el personaje viaja al pasado y evita conocer a la mujer que sería el amor de su vida, sacrificándose a sí mismo, para que los demás puedan ser felices. Con esto resalto el hecho de que el personaje es capaz de dejar a la mujer que ama para que ella sea feliz. Ese es el contexto en el que se desarrolla el final de la película, cuando el personaje consigue esto, se da cuenta que ha cambiado nuevamente el futuro, y como era de esperarse, nunca conoce a la mujer que ama. No solo esto sino que además se decide a quemar todos sus diarios, y con estos, su pasado. En este punto, cualquier persona está con la sensibilidad al máximo, ya que la pena de la escena embarga a uno y lo hace sufrir la pérdida (la magia de las películas), pero este momento solo podía ser más resaltado a través de lo que sería la canción que marca el final de la película, haciéndola más emotiva de lo que ya era. A continuación las escenas finales de la película, con la canción de fondo, para que noten el efecto que se produce en uno.
Lo que trato de exponer aquí, es que esta canción, en el contexto del final de la película, juega un papel muy importante, ya que consigue llevar las emociones a un punto cumbre. Stop Crying Your Heart Out encaja perfectamente en la película, no solo es una gran canción, unida a una gran película, sino que ambas, realzan los sentimientos que por separado pueden realizar, pero no se compara a la emoción generada al tener ambas (película y canción) juntas.
En este oportunidad, les hablaré acerca de una canción que, personalmente, es una de mis favoritas: Fade to Black, de la mundialmente conocida banda Metallica. Resaltando a mi parecer, por la sencillez del intro, que a pesar de eso, logra un efecto increíble despertando sentimientos en los oyentes, una letra influyente, y un final explosivo. El motivo de que haya escogido esta canción, se debe básicamente a la historia detrás de la creación de esta, y los sucesos ocurridos posteriormente, que se relacionan indirectamente con esta canción. La historia parte de un suceso que calaría profundamente en ellos en ese momento, y es que cuando la banda se encontraba en Boston, fueron víctimas de un robo, en el cual se llevaron absolutamente todos sus equipos e instrumentos, en fin, todo lo que necesitaban para hacer su música. Esto los dejó con un profundo mal sabor de boca, y esto influyó en la temática en general del siguiente disco, pero con más énfasis en Fade to Black, canción que representa su sentir en ese momento.
Es en base a este hecho que se genera la letra de la canción, la cual habla sobre un hombre que mira a su alrededor, y ve mucha maldad en el mundo, y al no saber qué hacer o cómo vivir con esto, decide quitarse la vida. Además en este época que James (guitarra y voz) y Lars (batería), sentían una mayor tendencia u obsesión hacia la muerte. Fade to Black fue la primera balada de la banda, lo cual le generó muchas críticas por parte de sus seguidores más extremos, ya que esto lo asociaban con el hecho de que la banda quería comercializarse, haciéndolos ver como "vendidos". Esta controversia les generó la pérdida de algunos fans, pero a cambio ganaron muchos otros. Esta canción es muy recurrente en sus conciertos. En cuanto a los sucesos ocurridos luego de su creación, voy a nombrar principalmente 3:
En el año 1986, la banda se encontraba en Estocolmo, promocionando su siguiente álbum, Master of Puppets, el cual estaba próximo a ser lanzado. En este concierto, la última canción en ser tocada fue Fade to Black, canción en la que se lució bastante el bajista de la banda, Cliff Burton, siendo ovacionado en gran medida por el público.
Al día siguiente del concierto, el 27 de Septiembre de 1986, el bus en el que viaja la banda sufrió un accidente y se volteó en la carretera, este accidente tuvo como consecuencia el fallecimiento de Cliff, suceso lamentado por la banda hasta nuestros días. Para los fans, Cliff ha sido el mejor bajista que ha tenido Metallica en toda su historia.
En el año 1992, ocurrió un accidente en Monteral durante un concierto, en una gira que realizaban junto con Guns N' Roses. James sufrió quemaduras de segundo y tercer grado, en un brazo, por un accidente con la pirotecnia, mientras tocaban la canción Fade to Black.
Además, para cerrar el círculo, en el año 2000, el bajista que entró en reemplazo de Cliff, Jason Newsteed, deja Metallica, y la última canción que tocó en su último concierto fue nada más y nada menos que Fade to Black, nuevamente...
Como dato adicional, el solo de la canción Fade to Black, se encuentra entre los mejores 100 solos de guitarra, en un ranking hecho por la revista Guitar World, ocupando el puesto 24 del conteo.
En esta ocasión he venido a hablarles y presentar un vídeo hecho por mí, en el cual interpreto, mediante el bajo, una canción de la banda de hard rock peruana, Duende Del Hueco, la cuál se separó en el mes de Marzo, pero que sin embargo, nos dejó un legado de canciones que aún suenan en nuestras memorias. Tienen dos producciones discográficas, su primer álbum homólogo, y el segundo llamado Eva. La canción que he interpretado, se llama El Ermitaño, perteneciente al primer disco de la banda. Básicamente la canción trata acerca de un ser que vive alejado de la sociedad, y que alberga un odio en contra de esta, por lo que alejado, dentro de su guarida, planea y se esfuerza por sembrar discordia entre las personas y generar así conflictos para que las personas se auto-destruyan. He aquí la canción original:
En esta oportunidad les voy a hablar acerca de la canción De Cartón Piedra, de Joan Manuel Serrat, la cual tiene una interpretación bastante peculiar hecha por Daniel F, ya que modifica completamente el ritmo y la intención de la canción, además de en algunos momentos, la letra. El cover del F añade además, al final de la canción, una especie de monólogo, en el que descarga a través del contexto de la canción, con un lenguaje mordaz, sus pensamientos acerca de la sociedad en la que vivimos, tema central en muchas de sus canciones. Es interesante recalcar también que en cuanto a sensaciones que se desprenden de la canción, el cover del F tiene un matiz más romántico, ya que la toca en forma de balada, y tiene un ritmo bastante lento, y guitarras arpegiadas con un suave acompañamiento del teclado, intercalando con partes en las que la guitarra tiene una fuerte distorsión, la cual es una estructura clásica de las baladas de rock.
Por otro lado, la canción original de Serrat, tiene un tiempo más rápido, lo que le da un cierto dinamismo, lo que a cambio, le resta la melancolía que desprende la tonada de la versión de Daniel F. Esta versión, debido en parte al contexto de la época y el estilo de Serrat, te transporta a su época.
Entonces queda a gusto de ustedes, cuál versión les parece mejor, o pueden apreciar ambas por sus matices únicos sin tener que comparar, en lo particular considero que es importante el momento en el que la escuchas y tu estado de ánimo. Aunque también es posible que tengas preferencia por una y desprecies a la otra, y viceversa. Eso lo dejamos a gusto del cliente.
